辻原 奈津

カジノのデザインは大変に魅力的なものですが、その魅力は驚くほどありふれた所にさえ溢れています。ゲーミングマシン、空気、そして椅子ですら、注目に値します。ですが、客が何よりも目を惹かれるのが、その足元に広がっているもの、そう、カーペットなんです。

カジノを彩るカーペットには数多くの種類があるように見えますが、実は区別しやすいんです。格別に明るい色をカラフルに組み合わせることで、歓喜と錯乱とのバランスを取っているのです。こう考えると、なぜカジノの客がカーペットに惹かれるのか、お分かりいただけると思います。

私は2005年から自分のウェブサイトでカジノカーペットの写真を公開し始めました。全国のカジノカーペットの写真を集めたギャラリーが5つにもなり、知らない間になぜかカジノカーペット関係の「専門家」と呼ばれるようになりました。カジノ用のカーペットを買ったこともデザインしたこともないのにです。そのうちカジノカーペットを売ってくれないかという要望が来るようになり、その要望がだんだんと要求に変わり始めました。結局、これでは自分の手に負えないと感じ、サイトから写真を削除することにしました。

ただ今でも、たまに記者の方から「カジノカーペットを大統一理論的に説明してください」といった内容の電話がかかってくることがあります。カジノカーペットはなぜあのようなデザインになるのか、と。

テリエン・ヘイル氏は、2002年からカジノカーペットを制作しています。それまではデザイナーとして働いていたのですが（「ベネチアン」の装飾を担当していました）、UNLV Alumni Centerでの展示をきっかけに、アイルランドのメーカーであるUlster Carpets社から声がかかりました。

ヘイル氏の作品は、ザ D ラスベガス、レッド ロック カジノ リゾート & スパ、ベラージオ、パリス ラスベガス リゾート & カジノ、ザ ミラージュ ホテル & カジノ、ウィン ラスベガス カジノといったカジノで披露されました。ヘイル氏は現在、世界的なホスピタリティ・カーペット業者であるBrintons社に所属しています。さてそれでは、カジノのカーペットはどのようにして作られているのでしょうか？どんな色や模様ならギャンブルしたいという気になるのか、いろいろ実験している心理学者の1団でもいるのでしょうか？必ずしもそういうわけではありません。ただ、デザインの過程においては、ベテランからのアドバイスが豊富に採用されます。カジノ界では、こうしたベテランには事欠きませんからね。

通常の場合、「カジノがデザイン会社を雇うのが一般的です。私たちデザイン会社はクライアントから要望を伝えてもらい、それを私が解釈していきます」とヘイル氏は説明しています。例えば、ベラージオの場合は、「モダンなペイズリー」という基本コンセプトが指定されたブリーフィングから始まりました。

こうしてまずクライアントと話し合った後で、デザイナーは色を選択し、模様をいろいろ試してみます。この過程には最低で1週間、時には数か月かかることもあります。カーペットデザイナー、インテリアデザイン業者、クライアントの3者が柄に合意したら、色調や織り方を確認するための試作品の作成に移ります。

床材と家庭用カーペットとの関係は、ベラージオの噴水と裏庭の滑り台との関係のようなものです。ヘイル氏によると、ほとんどのカジノでは、Axminster社のカーペット用素材（ウール80%ナイロン20%の混紡）をジュートの裏地にU字型に縫い付けることで耐久性を高めた生地を採用しています。こうした耐久性は、日に何千回という、文字通りの「客足」に耐えなければならない表面には欠かせない要素なのです。

「この生地は長持ちします」とヘイル氏は説明します。ちなみに、柄が長持ちするそうです。それに、決して安いものではありません。自宅の娯楽室用にどうしても欲しいと思った方は、1平方ヤードあたり35ドル～42ドル払う覚悟をしてくださいね。しかも、パッドは別料金です。

カジノカーペットがどうしてこんなに独特なのかというと、「インテリア装飾の残りの部分のパワフルな釈義に基づいたもの」だからだ、とヘイル氏は説明しています。「基本的にカジノカーペットとは独立した芸術作品なのであり、これによってカジノの雰囲気が決まり、カジノをフルに体験しているという気分にさせるのです」

何よりも、高品質のカジノカーペットは汚れを隠すのに優れています。ただ、それだけではありません。カジノカーペットでは、色の選択にも気を使います。客から容赦なしに何度となく踏みつけられても鮮やかさを失わないような色を選ぶ必要があるのです。例えば、近接色3色を選んでしまうと、時間とともに「濁った色」に変色してしまいます。

海外では”The Great Wave”という名で知られる「神奈川沖浪裏」は、日本美術を代表する作品として世界中に知られています。日本をイメージさせるアイコンともなったこの作品については、これまでにも数々の研究が行われてきました。この記事では、仁礼博恵氏がそうした北斎研究のいくつかについて解説します。

エネルギーに満ちている、威勢がいい、というイメージを与える絵です。「神奈川沖浪裏」は、版画・絵画・挿絵の巨匠、葛飾北斎（1760～1849）の代表作といえる作品です。

「神奈川沖浪裏」は、「富嶽三十六景」のひとつとして1831年に制作されました。イタリアの東洋美術研究者であるジャン・カルロ・カルツァ氏が執筆した『北斎』（2004年）は、北斎の生涯と経歴を時系列にまとめるという手法を使って、北斎の作品を広く紹介しています。

欧米や日本の著名な専門家によるモノグラフを集めた前半は、北斎研究の現状に対する優れた認識を反映した、大変充実した内容となっていますし、700点を超える数の図版も圧巻で、読者はこれらの図版を通じて北斎の魅力的な世界に浸ることができます。

「神奈川沖浪裏」の最大の特徴は、引き伸ばされた波が、その爪のような紋章を叩きつけて砕け散ろうとしているようすです。北斎が採用したプルシアンブルー（ベロ藍）は、イギリスから中国を経由してもたらされた紺色の顔料で、当時は目新しい物質だとされていました。津波が今にも怪物のように船に襲いかかろうとしています。まるで、とどまるところを知らない自然の力や人間の脆さを象徴しているかのようです。

北斎は幾何学的な用語を用いて、波と遠くにある富士山を絵に描いています。「Hokusai’s Mount Fuji: The Complete Views in Colour」の中で、フランス国立図書館の学芸員であるジョスリン・ブキヤール氏は、北斎の風景画の進化、技術的な才能、芸術的な手順について解説しています。

同書では、日本の文化や歴史上の出来事が北斎の傑作の数々にどのような影響を与えたのか、西洋の芸術界で北斎がどのように捉えられているのか、といったテーマについても言及されています。北斎の絵を深く理解するための出発点となる、充実した一冊です。39cm×26cmの小さな木版画には、人生において相反する2つの側面が描かれています。

手前には波があり、奥には富士山が見えますが、北斎がこの2つのシンボルを選んだのは、ヨーロッパ風の技法である遠近法を大変奇抜なやり方で取り入れるためだけではありません。この2つは、人生の不確実性も反映しているのです。富士山は、落ち着きや不死を表しています。日本という国を象徴するものであり、神聖なる信仰の対象として、日本の信仰の中でも特別な位置を占めています。

『北斎』（2009）の著者であるエドモン・ド・ゴンクール氏は、北斎の独特の美的スタイルが、19世紀半ば以降のヨーロッパの画家たちにどのような影響を与えたかを探究しています。

北斎の版画はヨーロッパ中に急速に出回り始め、その後 “The Great Wave” はさまざまな画家たちに幅広く影響を与えることになります。オランダのポスト印象派の画家であるフィンセント・ファン・ゴッホや、フランスの印象派の作曲家であるクロード・ドビュッシーも、北斎の影響を受けた芸術家たちです。日本は17世紀初頭、1639年頃には鎖国をしており、西洋文化との交流は一切禁止されていました。幸いなことに、鎖国の中から生まれたこの傑作は、今では世界中の美術展で認められ、愛されているといえます。

塩田千春

塩田千春のアート・インスタレーションは、感情と言葉の間にある計り知れない溝について探求しています。記憶の力を想起させる素材として毛糸を使うのが、この日本人アーティストの多分野にわたる作品の特徴となっています。

塩田氏は、2016年のOcula Magazineのインタビューの中で毛糸の使用について発言しており、「やわらかいので、自分の心を映し出してくれるものとして使っています…」と語っています。「毛糸は緊張感を含む素材です。まるで人間関係を表すような素材です」。結果として塩田千春は、身体的および感情的な通路となるような、独特の領域を作ることで、自身の経験に取り組んでいるのです。

京都精華大学で学んだ後、オーストラリア国立大学キャンベラスクールオブアートに交換留学生として留学した塩田氏は、そこで絵画とパフォーマンス、身体を組み合わせることを目標に定めました。

塩田千春は、もはや芸術のための芸術では満足できなくなっていました。そこで塩田氏はドイツに渡り、アーティストのマリーナ・アブラモヴィッチ氏に師事し、師のもとで集中的に学ぶことにしました。ドイツ滞在中、塩田氏は、肉体と感情の閾値に挑戦するパフォーマンスを実践して評価されました。

アブラモヴィッチ氏との経験が、塩田氏の芸術活動にコンセプトと方法論の両方を明確に植え付けました。これにより塩田氏は、記憶とモノとのつながり、そして不在の力を何よりも優先させることにしたのです。この塩田氏の新たな姿勢は、地面に穴を掘り、そこに裸体で転がり込んだり出たりするパフォーマンス「トライ・アンド・ゴー・ホーム」（1997年）にはっきりと現れています。

位置の変化や正負の空間の影響力に対する塩田氏の興味は、ここから始まったのです。「アートとは本質的に視覚だと思います」と、塩田氏はOcula Magazineのインタビューで語っています。アートを知覚し、それから感情を感じ、最後に意義を見出すことが大変重要なのだ、と。

「始めから意味について思いつこうとする必要はないのです」。塩田千春がベルリンで制作した最新作は、パフォーマンス、彫刻、そして拾い物（糸の網に織り込まれることが多い）を使った空間でのスケッチが組み合わせられているのが特徴的です。

ミスマッチな靴のコレクションから、ハンドバッグ、ロングドレス、ボタン、日誌票、マットレス、そして門に至るまで、塩田氏が持ち込んだモノたちは、以前は別の場所に住んでいたものですが、ここでは個人的かつ集団的な心理的体験の大動脈として捉えられています。

塩田千春は、テッセレーションの糸かけで記念品を吊り下げることで、封じ込めと保護の両方について考えるよう、観客に促します。2015年のヴェネチア・ビエンナーレの日本館で展示された「《掌の鍵》 -The Key in the Hand」でも伝えられた感覚です。

「《掌の鍵》 -The Key in the Hand」では、真紅の糸が上昇流状のフォルム（プルーム）を作り、その中に斑点のように鍵が吊り下がっています。この波を逆さにしたようなプルームは、ボートの列の上を手のように漂っています。塩田氏の作品では、線と物質性が顕著なテーマとなっていますが、色も大変重要な要素です。

塩田氏が常時使用している赤色は、旅を象徴する色です。それは私たちの身体の動脈を巡る血の流れかもしれないし、日本や中国、韓国の伝統における、いわゆる「運命の赤い糸」を表しているのかもしれません。赤という色は、ポジティブさとメランコリーさの両方を兼ね備えています。例えば、赤い糸を使った作品「DNAからの対話」（2004年）では、観客は喪失感と変化の必然性の両方を感じさせられます。塩田千春の作品には、若い頃に祖国を逃げるように去ったことや病気に対処しなければならなかったことといった、自身の個人的な経験が反映されています。そうした作品からは、まるで一緒に共存しようと観客に促しているかのような、優しさや穏やかさを感じさせられます。

雪舟（1420年に備中国赤浜で生まれ、1506年に石見国益田で没す）は、本氏を小田といい、等楊（とうよう）、雲谷軒（うんこくけん）、備渓斎（びけいさい）などの呼び名も持つ室町時代の画家であり、水墨画の最高峰とされています。

雪舟は、中国画の画風をもとにして、それを日本画の美意識や感性に合わせて応用し、日本独自の水墨画風を確立しました。山水画、禅画、花鳥画などを描きました。雪舟の画風は、その筆使いの強さや激しさ、そして発想の強烈さに特徴があります。

出生から青年期まで、経歴

日本画の巨匠は往々にしてその生涯に未知の部分が多いものですが、雪舟の場合は、経歴や創作活動がきちんと記録に残されています。本氏は小田で、雪舟は号です（元の名前は不明）。10歳の時に、地元の禅寺である宝福寺に入ります。そこで、「柳のような」という意味の「等楊（とうよう）」という名を与えられたといいます。禅寺は当時、芸術・文化の中心であると同時に、精神・宗教活動の中心地でもありました。雪舟はそこで若い修行僧として宗教を学ぶだけでなく、書道や美術の訓練も受けることになります。

壮年期、作品

雪舟は、北京の宮廷や、中国の禅宗五山の一つである天童寺で名誉を得て、画家として頂点に立っていました。1469年、雪舟は日本に渡り、日本での名声を大きく高めました。最初は山口に戻ったと思われますが、その後（おそらく1476年）、豊後国に移り、海峡を隔てた土地に素朴で快適な隠れ家を作りました。そして、この地の穏やかさや美しさを表すかのように、自分の新居であり画房でもあるこの家を「天開図画樓」と名付けました。

この画房で、雪舟は代表的な絵画を何作も制作することになります。天開図画樓は、雪舟から中国へ渡ったときの話を聞きたい、絵画を学びたい、という客で賑わいました。雪舟はその後九州北部や日本各地を巡る旅に出ますが、その後1486年に山口に戻り、この地に新たに画房を構えました。石見国にも住んでいたという説がありますが、これについては不明のままです。雪舟の最後の地については、いくつかのお寺が、我が寺こそが雪舟の最後の地であると主張しています。

雪舟の手によるとされている作品はかなりの数に上りますが、そのどれだけが果たして真筆であるかどうかは、特に謎の多い部分とされています。雪舟の作品として知られる作品の何点かは、その卓越した質の高さや出所、落款などから、本物であることが疑いないとされています。

ただ、雪舟の印章やサインがある作品の中には、単にスタイルから判断して雪舟のものとされているだけで、実は雪舟のあまたの支持者が絵を学ぶために描いたものかもしれないと思われるものもあります。東京国立博物館には、雪舟の巻物の中でも最も真正な作品のほか、中国で描かれたとされる初期の山水画4点、そして晩年の作品3点が所蔵されています。

「秋冬山水図」には秋と冬のようすが2幅の懸物に表現されています。3幅目の懸物は、「潑墨（はつぼく）」という、墨をそそいでぼかす手法で描かれたパノラマ図で、「羽墨山水図」（正式名称は「山水図」）としてよく知られています。1495年に制作されたこの傑作は、雪舟の弟子である宗淵が雪舟のもとでの修行を終えて鎌倉に赴いた際に、雪舟から宗淵に贈られたものです。

レンブラント・ハルメンソーン・ファン・レイン（1606～1669）は、光と影を巧みに操ることで知られる17世紀のオランダ人画家です。レンブラントの作品の多くは極めて写実的であり、史上稀に見る自画像画家として広く認められています。自画像以外でも、聖書や神話の場面を描いた画家としても知られています。以下に、レンブラントの作品をいくつかご紹介します。

1. 「夜警」

フランス・バニング・コック隊長および市民隊17名から依頼されて制作された傑作で、自警に出動する一団を描いています。写実性、巨大なスケール（11.91フィートX14.34フィート）、光と影の見事な使い方、そして人物がキャンバスから現実世界に飛び出してくるような感覚など、数多くの点から高く評価されています。

オランダの黄金時代を代表する作品であり、集団肖像画としても、これほど有名な絵画は世界中ほかにありません。

2. 「ガラリアの海の嵐 」

雷雨の中でガラリアの海をなだめるイエスという聖書の物語をレンブラントが描いた傑作です。レンブラントの第一アムステルダム時代（1631年〜1635年）に制作された作品で、レンブラントの唯一の海景画であると同時に、巧妙なやり方で盗まれた絵画としても知られています。この事件はアメリカ史上最大の美術品強盗事件とされており、未だに解決されていません。

3. 「ダナエ」（1636）

ダナエはギリシャ神話に登場する王女で、ダナエの息子が自分を殺すという予言を受けた父アクリシオスによって青銅の牢に閉じ込められていました。一方、ゼウスはダナエが欲しくてたまらず、ある夜、黄金の雨と化してダナエの部屋に忍び込み、ダナエを妊娠させてしまいます。

レンブラントは、この傑作を描くにあたり、ダナエの肉体的容姿よりも、その熱狂的な心情を主に描こうと決めました。興味深いことに、最初のモデルは自分の妻だったのですが、10年後に愛人の顔をモデルとして顔部分を描き換えたといいます。

4. 「放蕩息子の帰還」 (1669)

聖書物語を題材にした作品で、全財産を浪費して惨めな状態で帰ってきた息子を、父親が両手を広げて抱きしめる姿を描いています。手前の心温まる許しの姿と、奥の嫉妬と怒りに満ちた弟の表情が、対照をなしています。

レンブラントの晩年に描かれたこの作品には、光と色を使ったその表現力の高さが現れています。当然のことながらこの作品は専門家によって、バロック絵画を代表する絵画であり、レンブラントの最高傑作であるとみなされています。

5. 「ヤン・シックスの肖像」（1662）

ヤン・シックスは裕福な実業家であり、オランダ黄金時代に文化人として名を上げました。そして何よりも、レンブラントの親しい友人の一人でした。ここでは、ヤン・シックスが手袋をはめながら外出の準備をしている姿が描かれています。レンブラントはこの作品で、手や手袋、コートなどを力強い筆致で美しく描き込んでいます。

しかしながら、この作品で最も際立っているのは、シックスの顔です。レンブラントはこの顔部分を何度も修正したと言われていますが、一瞬放心状態になった表情とはまさにこれだ、と観る者を納得させる描き方で描いています。